Georges Mathieu: La impronta tachista y algo más

Georges Mathieu (Boulogne-sur-Mer, Francia, 27 de enero de 1921) es un pintor y publicista francés.

Hablar de Mathieu a estas alturas puede parecer a muchos anacrónico, al menos para quienes tienen algunos años a cuestas... Para otros (ni noticias). No nos olvidemos que estamos abordando la historia del arte moderno; más adelante ocurrirá lo mismo pero por desconocimiento de los movimientos actualísimos, y entonces también (ni noticias)...

¿Qué representó Mathieu en su momento? Me cuesta tal vez ser imparcial, la otra historia (la del arte) ya le otorgó serios títulos honoríficos, sobretodo en Francia donde fue condecorado con la orden del mérito ilustre. Digamos que Mathieu era monárquico y fue reconocido por gobiernos de toda orientación política. Para mí, personalmente, representó mi primer grito de libertad en arte, mi primera real percepción de tierra después de tanto mar de academicismo, inercia ineludible de todos los primeros pasos.

Por ese entonces contaba yo con 15 ó 16 años cuando Mathieu visitó la Argentina, mi país de origen. Estudiaba como alumno regular en la Escuela de Bellas Artes "Manuel Belgrano" de Buenos Aires... y ¡Toma! Mathieu fue invitado a realizar una obra de grandes dimensiones en el enorme patio de la academia. Todos mis amigos de estudio estaban como fuera de sí, frotándose las manos pensando en ese gran día... Resumiendo, cuando llegó el día de la exhibición (me sonrío a propósito de los happenings actuales tan pretenciosos) cada alumno había mentalmente tomado ubicación para observar la ejecutoria desde un promisorio lugar. Unos prefirieron ser salpicados con los brochazos del artista en su pelea por la primera fila... y sentados en el suelo observando con estupor cómo el artista exprimía sin piedad sobre el lienzo preciosos tubos de óleo de la más alta calidad que luego Mathieu regalaba, cuando aún no había comenzado el show, un compañero me golpeó la espalda diciéndome: "Reina, qué haces aquí parado? Vente, hemos descubierto un lugar en la azotea y tenemos prismáticos" Me fui como por encanto y sin chistar al palco ó gallinero improvisado, pudiendo asistir a lo que para mí fue un día inolvidable... Una formidable demostración improvisada. Me sentí algo deprimido pensando que, después de todo, había que volver al siguiente día a las penosas clases de escultura y a las peores de composición plástica, estudiando a Ben Nicholson ó algún otro ilustre... Debo decir que estoy agradecido a mi país que siempre (es su característica, se apunta a todas y no sólo en lo deportivo) me ha permitido tener este tipo de experiencias.

Mathieu, adherido a la pura libertad del gesto, introdujo el Tachismo con esencia incontaminada. Lamentablemente, visitando Francia en años posteriores, me entristeció mucho ver algunas pinturas de Mathieu que no eran ni el más pálido reflejo de lo que yo ví en los años sesenta. Hoy por hoy, queda el testimonio de la fría fotografía y los libros de arte.

Pierre Soulages: el otro nocturno

Pierre Soulages, nacido en Rodez (Aveyron) el 24 de diciembre de 1919) es un pintor, grabador y escultor francés, representante del tachismo.

En Francia y con el renuevo artístico que generó el arte abstracto hacia los años 60, Soulages atacó el excesivo afrancesamiento de los pintores de su país, otorgando a la síntesis expresiva base para excelentes claroscuros con misterio y sin la excesiva visión superficial tipo "joie de vivre" (alegría de vivir) tan típico del país galo (círculo vicioso que también, en otro estilo, combatió Rouault) sin haberse refugiado en ningún ismo en particular. Su arte fue una especie de isla paradisíaca para quienes lo artístico es un artilugio eficaz ante la cruda realidad existencial. Soulages se sincera a sí mismo en la negación de la apariencia en la que todo arte crece.

La expresión, cuando profundiza en lo interior real, adquiere soler y categoría. Por aquel entonces Francia ejercía un dominio tal en la cultura, que todo lo que no fuese frances, despedía un tufillo sospechoso. Sin embargo, la pintura de Soulages no necesitó de ningún soporte exterior para justificarse, como se necesita hoy para llamar la atención de los medios. En definitiva, sus "nocturnos" resuman eternidad sin perfiles modernistas o camelos vanguardistas.

Si yo pudiese dedicar a la pintura de Pierre Soulages mis elogios de forma poética, lo haría sin duda echando mano a los "Himnos a la noche" de Novalis.

Dos puros: Rothko y Jenkins

Marcus Rothkowitz (25 de septiembre, 1903 – 25 de febrero, 1970) mejor conocido como Mark Rothko (en letón: Marks Rotko) fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos.

Rothko es el exponente más clásico de lo que llamamos "abstractos puros", haciendo clara distinción de lo que es un auténtico artista en solitario, dueño de voces interiores a qué responder. Sólo un maestro en su inimitable estilo deja huella a otro. Su influencia fue y es enorme; quedará como los grandes de este siglo. Su obra, puesta a prueba por el paso del tiempo, es de contextura insobornable por su pureza y racionalidad. El equilibrio entre lo estático y lo dinámico está introducido de tal modo en el cuadro que produce una total y única gravitación al unísono.

Paul Jenkins nació en 1923 en Kansas City, Missouri. Adherido a una estética de transparencias que repiten ondulaciones, sinuosidades que desembocan en yuxtaposiciones de tintas planas y sedosas. Con técnica lavada y precisa, Jenkins es uno de los últimos exponentes de una pintura que se deleita a sí misma como en un espejo, donde la musicalidad y el color distribuyen magmas uniformes de gran belleza. Jenkins es uno de los exponentes más sobresalientes de los Estados Unidos, con gran repercusión internacional.

Abstracción: Puro Absoluto

Hans Hartung (Leipzig, 21 de septiembre de 1904 – Antibes, 8 de diciembre de 1989) fue un pintor franco-alemán, conocido por su estilo abstracto gestual. Fue también un veterano condecorado de la Segunda Guerra Mundial de la Legión extranjera francesa.

Otro ícono escencial como figura paradigmática es el germano Hans Hartung dentro de esta corriente. Herido de guerra, se aferra a la búsqueda más elemental posible dentro de un espacialismo sobrio. Genuino y profundo, Hartung abrió las posibilidades para la expresión de lo gestual propio y contenido, estudiando y uniformizando dentro de esa línea aparentes casualidades, desembocando a veces en abigarrados e imbricados trazos, gruesos y finos. En la resolución de problemas en orden a lo compositivo, fue uno de los grandes maestros, trascendiendo en contrapuntos que aludían a los interrogantes más profundos de la existencia humana.

Lucio Fontana fue un pintor y escultor italo-argentino nacido en Rosario (provincia de Santa Fe), de padre italiano (Luigi) el 19 de febrero de 1899, y fallecido en Comabbio, Italia, el 7 de septiembre de 1968.

Con Lucio Fontana, nacido en Argentina y radicado de por vida en Italia, se llega a lo más rancio y puro dentro de lo abstracto-espacial. Aunque luego Fontana refutó con creces el riesgo a la repetición de sus famosos "tajos y hendiduras" con una gran labor dentro de lo informalista, demostró su universalidad. A mi entender, esas simples aberturas lanceoladas, espigadas, elegantes, resumen con certeza y eficacia el ansia de todo artista que se precie de verdadero, resumiendo y diferenciando continente y contenido. En su afán de trascender lo anecdótico, demoliendo prejuicios que sólo satisfacen necesidades del ego, Fontana demostró su maestría a pesar de la incomprensión inicial a su obra.

EL ARTE ABSTRACTO II

Anteriormente hicimos un recorrido inicial dentro de la pintura abstracta en el orden de salida más ajustado a lo real e histórico, es decir los abstractos puros. Ahora continuamos con la hilación necesaria para su mejor comprensión. Ya estamos más o menos en los albores de los años cincuenta, y se van consolidando figuras emblemáticas, que no siendo tan objetivamente abstractos puros, no traicionan en lo más mínimo su espíritu, su íntima veracidad. Aparece, por ejemplo, (viniendo de lo figurativo un de Staël, figura señera dueña de un lenguaje que alude a vastas soledades paisajísticas enmarcadas con pastosidad dentro de un margen riguroso en lo expresivo, austero y elemental "con gruesas líneas y franjas horizontales" que transmiten serenidad al espectador.

Nicolas de Staël (* San Petersburgo, 5 de enero de 1914 - Antibes, 16 de marzo de 1955) fue un pintor de nacionalidad francesa y origen ruso que se conoce sobre todo por su uso de un espeso impasto y sus paisajes intensamente abstractos. También trabajó con collages, ilustraciones y telas.

EL ARTE ABSTRACTO I

El arte abstracto no es como las corrientes anteriores, una sub-escuela que creó sus propias leyes con los basamentos generales de sus antecesores. La originalidad de este arte es la de que, partiendo de cero, no pretende otra cosa que llegar a la quinta escencia de la expresión mínima (con mínimos elementos) sin referencia alguna, con la representación de un objeto o figura. Es decir, anula y rechaza que la representación pueda colaborar en algo, muy por el contrario entorpecer la fluidez de la obra y su poder comunicativo.

Su relación con la corriente japonesa zen y hasta con la física cuántica es evidente. No es por azar que el arte abstracto es la mayor y más fidedigna representación de nuestra época, que rompió con moldes y acató la expresión artística como un todo, sin fraccionamientos que obstruyeran la máxima libertad de las ideas.

Se debe destacar a su precursor y teórico, el ruso Wassili Kandinsky, cuya obrita "de lo espiritual en el arte" estuvo en el candelero hace ya muchos años, pero aún hoy en día puede leerse sin verguenza alguna. Pero el hito más identificativo y puro en su más representativa significancia es el de Piet Mondrian.
Su obra es el aniquilante total de cualquier tipo de figuración de lo exterior, aquí el equilibrio subyuga al ojo, pero por la vía espiritual. Los dos: visión es espíritu y espíritu es la visión del ojo, lo que el ojo delata es lo real en el espíritu por partes iguales. En este caso, la visión no cumple la función de engañar por falta de contenido (Trompe L'oeil) del continente, en donde todos participan en el reencuentro con la obra.

Otro artista de la misma tendencia es Malevich, que utilizando formas geométricas, por lo general cuadrados que casi abarcan la totalidad de la obra, grises sobre fondos más claros, otras blancos sobre fondos casi blancos, produciendo una sensación de equilibrio inalterable. Esa búsqueda de equilibrio fue lo que llevó a Piet Mondrian a adherirse a una escuela gnóstica de tipo ritualista a base de ejercicios de mudras y mantrams. Algo similar ocurrió con Fernando Lèger, famoso pintor cubista.

Agregar que Mondrián se educó en una familia rígidamente pietista fundamentalista. Sus primeros pasos en pintura los dió dentro de un fauvismo post-impresionista.

La pintura moderna contemporánea

Hoy el pintor o artista en general, de cualquier disciplina, que no evolucione sobre los trazados generados en el siglo XIX por los precursores suficientemente aquilatados por sus logros y debidamente anexados a sus inmediatos antecesores en intenciones de depuración del lenguaje, búsquedas sin artificios, etcétera (trompe l'oeil incluído), no merecen la más mínima atención del iniciado, estudiante o coleccionista que se precie de no pasar por crédulo facilón.

En esta situación irreductible siempre estuve firmemente comprometido, de ahí en más el factor resistencia que coseché a través de mi carrera fue el "premio" obvio al estar dicha posición contra los intereses de los que pretenden hacer creer, a quien esté dispuesto a ser engañado, sobre el hecho falso de que todos los días nacen nuevos Picassos, y que los estilos-escuelas son productos artificiales sustentados en caprichosa progresión zigzageante por veleidoso seudo-creador, "aquilatados" por la crítica oportunista cuya finalidad es vender prestigio al mejor postor.

Talvez por falta de una información precisa a muchos les parecerá arbitraria mi posición (que no una postura) con respecto a tan obstrusa condición, que generalizada o no particularmente en cuanto a mí concierne, ella es veraz al ciento. Precisamente aquí se presenta otro caso de la remanida inversión de la prueba, puesto que yo no estoy contra corriente alguna, sino muy por el contrario, a favor de ella. De ahí que puedo, con toda la conciencia limpia, subrayar lo bueno de mi trayectoria y tildar de oportunistas a los que pretender afectarla con palabrería vana.

Sólo en las grandes excepciones uno debería abstenerse de juzgar a alguien como oportunista ó a quienes confieren a su quehacer un sesgo ambigüo. En este caso se puede citar como excepción a Salvador Dalí, a quien conocí personalmente y quien me confesó su admiración por los abstractos, cosa que nunca hizo saber a los medios masivos. He aquí un típico doble discurso obligado por las directrices de su promoción e imagen sensacionalistas, propio de los surrealistas. La frase que más recuerdo de Dalí, dicha en voz alta, fue la de "Admiro en los abstractos su profunda capacidad de síntesis!!" y claro que se refería también a los informalistas matéricos y no sólo a los puristas tipo De Staël, Rothko, Hartung y talvez Fontana. Se estaba refiriendo al movimiento iniciado y continuado dentro de la lógica secuencia del proceso histórico.

Aquí podría aplicarse lo de Jean Baudrillard de que una sociedad enferma de convencionalismos la singularidad se convierte para algunos en violenta agresión. En el caso de las revoluciones artísticas hoy por hoy, yo creo que la singularidad ya no escandaliza a nadie ni violenta puertas académicas, lo que sí eriza la piel es su total falsedad, su mimetismo para, con astucia, teñirse del color de los grandes, y bajo sus alas medrar a favor de lo efímero, osea, para sí mismo.

En lo que respecta a la cita de Baudrillard, se podría agregar que, invirtiendo la cara de la misma moneda, la peor de las violencias es la ignorancia unida a su pariente la indiferencia.